La tragedia di Medea si reinventa con il linguaggio del clown contemporaneo: il mito si fa tragicommedia, tra riso e vertigine, cadute e metamorfosi. Non più mostro assassino, ma straniera condannata da una città che non sa accoglierla, Medea diventa specchio delle nostre paure collettive e colpe collettive. Una scena essenziale, un corpo clownesco, più voci che maschere: dal grottesco al lirico, dal comico al tragico, per ridere e tremare nello stesso respiro. Nel pendolo continuo tra comicità e tragedia, lo spettacolo costruisce uno specchio impietoso e lucidissimo della nostra condizione presente: fragili, contraddittori, sempre in bilico tra colpa e speranza. Un teatro che non consola, ma rigenera. Un mito che non muore, ma cambia forma. Un pensiero di pace al femminile che acquista nuova memoria di sé, di ciò che è stato prima delle mistificazioni della storia raccontata dai vincitori, giocato con il linguaggio del clown pasticcione ed acrobatico nel barcamenarsi tra inadeguatezza, desideri e nuove consapevolezze. Corinto diventa la metafora di ogni società che teme lo straniero. Medea non è solo la donna esclusa, ma l’eco di tutte le esclusioni contemporanee. La scena è nuda, essenziale, abitata da suoni, gesti, cadute: un paesaggio in cui si riflette la violenza sottile del rifiuto. Il corpo di Medea è uno spazio di memoria. Ogni gesto clownesco è un rito di purificazione, un frammento di un sacrificio che si rinnova. L’attrice non interpreta, invo­ca. Si fa cerimoniere di un racconto collettivo, ponte tra antico e contemporaneo.